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 总是被人说拍得太糖水,想要让作品更有内容与深度,却不得其门而入,这是大部分摄影初学者所面临的问题。

        成熟的摄影师之所以能够拍出细节丰富且拥有温度的作品,绝不仅仅是靠大量拍摄经验就能达到,更多的是靠强大的观察力与清晰的表现意识而支撑起来的。

        有一定基础的摄影师在拍摄时,如果模特表现较为欠缺,则会采用模仿经典构图或动态的手法进行拍摄,而遇到表现力较强的模特,则会不干涉模特,以记录者的身份完成拍摄。以上两种方式在拍摄普通题材或者客片时是没有问题的,前者简易稳妥,后者轻松自然。

        然而,以创作为目的去进行拍摄,这两种方法就显得力有未逮了,摄影师需要将主动权掌握在自己手中,绝不是一味的模仿和放任。但凡一次成功的创作,不会出现内容的冗余与缺失,每张照片都有深意和服务于整体的作用,作品细节完整且拥有统一的主旨和风格。

         摄影师有明确的主题,对每张照片都有所规划,是完成创作的前提,而不是杂乱无章,看到什么、想到什么就按下快门。一个完整的故事,必然要交代时间、地点、人物、事件,同样一组完整的人像摄影也需要满足以上要素。

       以魔女宅急便片头的一组分镜为例,中景-近景-远景-全景的不同景别,对于时间、地点、人物、事件都做出了交代。

       分镜叙事所对应的是摄影师需要拍什么,以特定的景别交代特定要素,比如全景交代地点;特写交代人物......

        描写手法所对应的是摄影师需要怎么拍,通过不同的拍摄角度让人物更立体、事件更饱满,人物的动态、神色、服饰;时间的昼夜、晴雨;地点的自然或人文的社会环境......

        摄影师在拍摄前对于整个过程做多次预演,在拍摄中有意识有条理地选取角度和内容,拍摄后以整体联动为基准整理照片。

        以分镜叙事和描写为依托,依照计划进行创作,不仅是让作品更加生动、成熟的有效途径,也能极大限度地提高摄影师的拍摄效率。


眼平取景/腰平取景/脚平取景


常常被妹纸要求把腿拍长一点,奈何只有一支85mm的镜头,不能像广角镜头那样利用透视畸变去拉大长腿(我也不喜欢,觉得挺别扭的),怎么办,放低姿态,单膝跪地,长腿女王就出来了。拍全身照嘛,长焦的话退远一点不就好了吗,干嘛还单膝跪地,求婚呢?

对于一个体面的摄影师来说,我也不想跪的,不过你想把一米六的妹纸拍成一米二,我也管不着,只能为你烧柱香了。

不过一个拍摄姿势的问题,为什么差距会这么大?

这里就要科普一个词叫取景高度,大致分为三个高度,现在最常见的单反是眼平取景,而一些120胶片机是腰平取景,脚平取景嘛,拍裙底的痴汉咯(开玩笑的)。

眼平取景高度,最贴近第一人称视角,具有一定的侵略性,有较强的感染力。

腰平取景高度,画面的透视线(地平线)正好与妹纸的腰线平齐,透视对于妹纸身高的影响是最小的(如果是眼平取景,按透视近大远小的原理会拍出头大身小的效果,焦距越短越明显)。

脚平取景,通常是因为妹纸坐或趴在地上,想拍正/侧面才会采取的取景方式,比较少用。

如果你看到摄影师总是摆出一些奇奇怪怪的姿势在拍照,不要惊讶,他只是在调整取景高度。

如果还有想看我摄影作品的

戳我的图虫https://tuchong.com/1130488/

不想看就略过,反正这里不更新了

情境模拟和即兴写真

之前提到的电影感和镜头感,其实就是两种拍摄方式的运用,但只是说明了区别,这次要说的是两种拍摄方式的具体方法。

情境模拟,适用于有计划有特定故事主题的创作。拍摄前需要准备分镜脚本,以及机位的选定。镜头运动的基本单位是摇/移、升/降、推/拉。假定我要拍一段在一个独自在路上行走的人的短片,开场的第一个镜头我肯定是一个远景俯拍,然后拉近降低机位,摇一下,拍个侧面特写,然后镜头慢慢转向人后跟拍,再渐渐失速,人在画面中逐渐变小至消失。这一整个机位运动正好记录了事件发生的地点(远景),人物的着装、身高(中近景),人物的相貌特征(特写),以及一个背影。在拍摄创作时就可以参考这种方式,有序的、分景别的记录,这样摄影师可以更好的把控场面,模特也更容易进入角色状态。

即兴写真,更考验摄影师临场应变的能力和模特的表现力,根据现场的光照、环境色去选取角度和构图,现场的一切都可以成为辅助道具,即使是一片空地,模特也可以与自己的影子来一场划拳。互动、自然就是即兴写真的精髓。

提到明暗调,就不得不说一个比较陌生的词汇—黑白场,俗称素描关系。

明调容易出现的问题是过于亮,没有重色去压的明调会像气球一样飞走;
暗调容易出现的问题是过于暗,没有光亮去提的暗调会像石头一样沉没。

所谓调性,是指某一颜色占绝大部分比重。画面的黑白关系其实就是一张太极图,明调是太极的阳面,暗调则是太极的阴面。极则必反,破而后立,过于统一的调性必须要破开,才会有生机。

但是明暗调不是处理好大关系就够了的,层次和细节也要跟上。人物自身既需要与环境统一,又要有对比区分。
用环境的虚去衬人物的实。

无处安放的手

作为一个新手来讲解摄影中的肢体语言可能不太够格,但我还是想说一下

很多初学摄影的人,有一个不太好的习惯,就是自己站着不动,然后指挥模特这样动那样摆,结果就是姿态表情看着就很僵硬,更不要说有什么情绪。

大多数人都喜欢把场面的调控称之为引导,其实是很片面的,这也导致上述的问题时常在新手身上发生。完整的场面调控,是分为两个部分的,场内(模特、道具等)调度、场外(机位、灯光等)调度,划重点,是调度!引导只是调度的一小部分。调度需要注意的是整体和联动,模特姿态发生变化,机位也要随着改变,场内外是密不可分的。

基本概念说完了,再说细一点,为什么有些照片肢体看着就是很别扭尴尬。先回到调度的概念上去,调度需要整体和联动,那么模特的手和身体的其他部分也是不是需要讲究整体和联动,动态自然乃至于有情绪,其实就是模特的头、手、眼等等之间存在某种联系,每一个局部都不是孤立的。

电影感/镜头感

就写真而言
前者是尽最大可能隐藏摄影师的存在(第三人称视角/上帝视角),就像局外人在看一个故事。
后者是尽最大可能将摄影师的视角替换成观看者的视角(第二人称视角/男朋友视角),谈了一场虚拟恋爱。

一般情况下,两种视角感是不能同时存在的,但也有例外,视角在特定情况是可以切换的。

拍照,一定一定做好计划,场地,服装,时间,道具啥的都筹备好,拍摄之前和模特交代如何站位以配合运光,如何利用肢体语言表达情绪,如何利用身体动态隐藏缺陷突出优点。机位调度方面,还要考虑照片本身要传达的信息,什么景别用什么构图都要有明确的目的。拍摄过程中多利用构成和空间元素增加画面的形式美感。后期的排版也要注意叙事的节奏推进转折,让分镜的组合更具有戏剧性。

      我今年听到最有用的一句话:照片可以没有构图,可以不管色调,但必须要有情绪。我从一开始拍人像就一直以这句话为目标,可是渐渐的我发现,我对于“情绪”这个词好像有什么误解,特意的不让模特去看镜头,故作深沉,到最后所有照片都是一个调,没有高低起伏,寂静如死水。

     情绪,是多种多样的啊,一颦一笑,俯仰之间,攥着的手,踢出的脚,都是情绪。不要紧盯着她的眼,颈、肩、腰身、她身体的一切都在说话呢,就算静静地站着不说话,也十分美好。

     通过特定的动态和局部特写引导出情绪,表现模特或者摄影师若有所思的状态。以构图色调构架骨肉,再通过情绪赋予灵魂。

写真不同于商业人像的区别就在于是摄影师除了发掘和表现被摄对象的外在美以外,还融入了摄影师本身的感性诉求以及被摄对象的精神情感。期许与迷茫;孤独与温暖,是写真所独有的基本特质 。

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